D 사조 · 1870~1886 · v3

인상주의

영국 테이트 미술관은 인상주의를 "밝은 색, 대담한 붓질, 반항 정신"이라는 말로 소개합니다. 그런데 1874년 비평가들은 같은 화가들의 그림을 대충 그린 미완성이라 비웃었습니다. 인상주의 화가들은 무엇을 택했던 걸까요?

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01 · 핵심

1-1정의

영국 테이트 미술관은 인상주의를 "밝은 색, 대담한 붓질, 반항 정신"이라는 말로 소개합니다. ^S7 그런데 1874년 비평가들은 같은 화가들의 그림을 대충 그린 미완성이라 비웃었습니다. 인상주의 화가들은 무엇을 택했던 걸까요? 인상주의는 1874~1886년 정부의 공식 미술전 밖에서 여덟 번 독립 전시를 연 파리의 화가들과, 한순간의 빛을 짧은 붓질과 색 있는 그림자로 옮긴 그림입니다. ^S1

1-2알아보는 법

그림자가 검정·갈색이 아니라 파랑·보라입니다.
하늘·물·풀밭이 짧게 끊긴 여러 색 붓질로 채워집니다.
형태의 가장자리가 또렷한 선 없이 풀립니다.
기차역·거리·교외의 물가처럼 그때의 파리 생활이 소재입니다.

1-3자주 보이는 현상

색 있는 그림자(색), 붓 자국(질감), 풀린 가장자리(경계), 같은 대상의 되풀이(반복)가 자주 보입니다. ^S1

1-4대표 사례

풍경화가 시슬레는 보라 그림자와 잎 사이로 조각조각 보이는 하늘을, 모네는 기차역의 증기를 짧은 붓질로 그렸습니다.

Met 1975.1.211 · AIC 1933.1158, 공개 도메인 ^S13·S11

2-1핵심 설명

이 이름 아래 모인 화가들은 무엇을 함께했을까요? 메트로폴리탄 미술관은 그들을 묶은 조건은 정부가 여는 공식 미술전인 에서 독립했다는 것 하나였다고 설명합니다. ^S1 1874년부터 1886년까지 독립 전시가 여덟 번 열렸고, 회마다 참가자는 9명에서 30명 사이였습니다. 여덟 번 모두 참가한 화가는 한 사람뿐이었습니다. ^S1

그럼 '인상주의'라는 이름은 어디서 왔을까요? 1874년 4월 25일 비평가 루이 르루아는 풍자 신문 『르 샤리바리』에, 모네의 「인상, 해돋이 (Impression, soleil levant - 클로드 모네, 1872)」를 두고 두 관람객이 주고받는 비웃음 섞인 대화를 실었습니다. 그림 제목의 '인상'이 이 비웃음의 표적이었습니다. ^S8

인용

"처음 만들다 만 벽지도 이 바다 그림보다는 더 완성돼 있다!" — 루이 르루아, 『르 샤리바리』, 1874 ^S8

소리 내어 읽기

Le papier peint à l'état embryonnaire est encore plus fait que cette marine-là !

처음 만들다 만 벽지도 이 바다 그림보다는 더 완성돼 있다!

Louis Leroy, Le Charivari, 1874-04-25

「인상, 해돋이」: 푸른 회색 안개 속 항구 위로 붉은 해가 떠 있고, 물 위에 주황 반사가 짧은 붓질로 끊겨 있습니다. 작은 배들이 어둡게 보입니다. ^S14 클로드 모네, 「인상, 해돋이」, 1872, 캔버스에 유채 — 파리 마르모탕 모네 미술관, 위키미디어 공용 사본(공개 도메인 표시) 그림의 서명에는 '72'가, 메트로폴리탄 미술관 해설에는 1873년이 적혀 있습니다. ^S3

그런데 같은 해 4월 29일, 비평가 쥘앙투안 카스타냐리는 이 화가들을 비웃지 않고 처음으로 '인상주의자'라고 불렀습니다. ^S9

인용

"그들은 풍경이 아니라 풍경이 일으킨 감각을 그린다는 점에서 인상주의자다." — 카스타냐리, 1874 ^S9

조롱으로 시작한 이름을 화가들은 오히려 영예의 표시로 받아들였습니다. ^S3 첫 전시는 유파 이름 없이 '무명 화가·조각가·판화가 협회'라는 이름으로 열렸습니다. ^S1·S10

맞혀 보기

르루아가 비웃은 모네 그림의 제목에 들어 있던 낱말은?

2-2발생 조건

이 절에서 볼 것

살롱의 낙선, 새로 뚫린 대로와 철도, 밝은 새 물감, 그리고 일본 판화가 한 시기에 겹쳤습니다.

어떤 조건이 겹쳤을까요?

첫째, 제도. 살롱 심사위원단은 1860년대 후반 모네 같은 화가들의 출품작을 대부분 떨어뜨렸습니다. ^S2 그래서 이들은 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지, 카퓌신 대로 35번지에 있던 사진가 나다르의 옛 작업실에서 따로 전시를 열었습니다. ^S2 관람객 수는 비교가 되지 않았습니다.

숫자 하나

3,500명 대 450,000명 — 첫 독립 전시의 관람객과, 두 주 뒤 열린 그해 살롱의 관람객 ^S2

첫 전시가 열린 건물입니다. 사진가 나다르의 사진관으로, 위층의 큰 유리창이 보입니다. 1861~1872년 사이에 찍은 것으로 적혀 있습니다. ^S14

나다르, 사진관 정면 사진, 1861~1872년 무렵 — 프랑스 국립도서관 Gallica, 위키미디어 공용, 공개 도메인

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1큰 유리 작업실 첫 전시가 열린 사진가의 작업실

1874년 제1회 전시의 도록(전시 안내 책자) 표지입니다. 맨 위에 'Société anonyme'(무명 협회)라는 이름이 있고, 도록 값 50상팀(프랑의 100분의 1 단위), 전시 기간, 입장료 1프랑, 주소 '카퓌신 대로 35번지'가 적혀 있습니다. ^S10

무명 화가·조각가·판화가 협회, 『첫 전시 도록』 표지, 1874 — 프랑스 국립도서관 Gallica, 공개 도메인

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1무명 협회 'Société anonyme' — 유파 이름 대신 쓴 협회 이름
235 Boulevard des Capucines 첫 전시장 주소
3Prix 50 centimes 도록 값 50상팀
415 avril – 15 mai 전시 기간

둘째, 도시와 교외. 1853~70년 파리는 낡은 건물을 헐고 넓은 대로와 공원을 냈고, 프랑스와 프로이센의 전쟁() 뒤 도시가 다시 지어지며 여러 계층이 섞이는 공공장소가 생겼습니다. 철도는 주말에 교외로 소풍 가는 일을 가능하게 했습니다. ^S1 모네가 살던 파리 근교 마을 아르장퇴유는 파리에서 기차로 15분 거리였습니다. ^S3 기차역과 교외의 물가가 화가들의 소재가 되었습니다. ^S1

「노르망디 열차의 도착, 생라자르 역 (Arrival of the Normandy Train, Gare Saint-Lazare - 클로드 모네, 1877)」: 유리와 철골 지붕 아래 오른쪽에 검은 기관차가 있고, 흰색·하늘색 증기가 짧은 붓질로 피어오릅니다. 모네는 파리와 노르망디를 잇는 이 역을 열두 점 그렸고, 그중 여덟 점을 1877년 제3회 전시까지 완성했습니다. ^S11

클로드 모네, 「노르망디 열차의 도착, 생라자르 역」, 1877, 캔버스에 유채, 60.3×80.2 cm — 시카고 미술관 1933.1158, 공개 도메인

셋째, 물감. 메트로폴리탄 미술관은 이 화가들이 새로 나온 합성 안료를 쓰고, 그림 위에 광택용 투명 칠()을 바르지 않아 당시 눈에 충격적일 만큼 밝은 색을 냈다고 설명합니다. ^S1 테이트는 1870년대에 물감 튜브가 퍼지며 야외에서 그리는 일이 더 인기를 얻었다고 적습니다. ^S7

넷째, 일본 판화. 1853년 일본이 항구를 연 뒤 일본 목판화가 유럽에 쏟아져 들어왔습니다. ^S6 모네는 그 판화를 네덜란드의 향신료 가게에서 포장지로 처음 봤다는 이야기가 메트로폴리탄 미술관 해설에 실려 있습니다. ^S6

2-3식별 시그니처 해설

이 절에서 볼 것

색 있는 그림자, 끊긴 붓질, 풀린 가장자리, 그리고 같은 대상을 다른 빛 아래 되풀이해 그리기.

화면에서 무엇이 인상주의를 알려 줄까요?

색 있는 그림자 → 색: 메트로폴리탄 미술관은 이 화가들이 그림자와 밝은 곳을 회색이나 검정 대신 파랑·보라처럼 색이 있는 색으로 칠했다고 씁니다. ^S1
끊긴 붓질과 풀린 가장자리 → 질감·경계: 테이트는 빠르고 끊어진 붓질로 빛의 덧없음을 그렸다고 설명합니다. ^S7
연작 → 반복: 모네는 생라자르 역 이후 같은 대상을 거듭 그렸습니다. 1890~91년에는 모네가 살던 마을 지베르니의 밀짚단을 여러 이젤에 동시에 그렸고, 1891년 5월 파리의 화랑에서 15점을 한 방에 걸었습니다. ^S11 독립 전시가 끝난 뒤의 일이지만, 이 방식이 어디까지 갔는지 보여 줍니다.

같은 밀짚단을 다른 빛 아래 그린 세 점입니다. 여름의 끝에는 분홍과 연두가, 가을 해 질 녘에는 살구색과 회녹색이, 눈 덮인 일몰에는 하늘의 주황과 눈 위 청보라 그림자가 화면을 덮습니다.

「밀짚단 (Stacks of Wheat, End of Summer - 클로드 모네, 1890~91)」·「밀짚단 (Stacks of Wheat, End of Day, Autumn - 클로드 모네, 1890~91)」·「밀짚단 (Stacks of Wheat, Sunset, Snow Effect - 클로드 모네, 1890~91)」, 캔버스에 유채 — 시카고 미술관 1985.1103 · 1933.444 · 1922.431, 공개 도메인

대표 색
**눈 위 청보라 그림자** `#8089A6`
**어두운 청회색** `#686A80`
**분홍 회색** `#A58C8D`
**하늘의 주황** `#E39A5A`

같은 방식을 모네는 루앙 대성당에도 썼습니다. 1892~93년 대성당 맞은편 방을 빌려, 빛이 바뀔 때마다 캔버스를 바꿔 가며 정면을 그렸습니다. ^S3 이 연작도 독립 전시 기간 뒤의 일입니다.

같은 대성당 정면입니다. 왼쪽은 크림색과 금빛, 오른쪽은 연보라와 청회색 터치로 덮였습니다. ^S12 클로드 모네, 「루앙 대성당, 서쪽 정면, 햇빛 (Rouen Cathedral, West Façade, Sunlight - 클로드 모네, 1894)」·「루앙 대성당, 서쪽 정면 (Rouen Cathedral, West Façade - 클로드 모네, 1894)」, 캔버스에 유채, 약 100×66 cm — 워싱턴 국립미술관 1963.10.179 · 1963.10.49, 공개 이미지

다른 시간대 — 같은 정면이 한쪽은 크림색·금빛, 한쪽은 연보라·청회색입니다

2-4내부 다양성

이 절에서 볼 것

같은 전시에 나간 화가들도 붓질과 소재가 서로 달랐습니다.

같은 이름 아래에서도 얼마나 달랐을까요? 여덟 번의 전시에 나간 화가들은 윤곽을 지키는 사람부터 매끈하게 칠하는 사람까지 서로 달랐습니다. ^S5·S11

드가: 끝내 '인상주의자'라는 이름에 동의하지 않았지만 창립 멤버이자 전시 조직자였습니다. 극장과 카페 같은 실내를 그리며 인물의 윤곽을 또렷하게 지켰습니다. ^S5
카유보트: 눈에 보이는 대로 매끈하게 그리는 쪽의 기법으로 인상주의의 도시 소재를 그렸습니다. ^S11
카사트: 드가의 초대로 1877년 합류한 유일한 미국인 참가자로, 여덟 번 가운데 네 번 참가했습니다. ^S4
모리조: 남성 화가가 자주 그린 화장하는 여인을, 에로틱하지 않게 여성의 시선으로 그렸습니다. 여덟 번 가운데 일곱 번 참가했고, 여덟 번 모두 참가한 화가는 피사로였습니다. ^S11·S1

왼쪽 드가의 「무용 수업 (The Dance Class - 에드가 드가, 1874)」은 인물 윤곽이 또렷하고, 가운데 카사트의 「발코니에서 (On a Balcony - 메리 카사트, 1878~79)」는 신문 읽는 여인 뒤 꽃밭을 짧은 터치로 채웠으며, 오른쪽 모리조의 「화장대 앞의 여인 (Woman at Her Toilette - 베르트 모리조, 1875~80)」은 흰 옷과 거울 쪽이 흐릿하게 풀립니다.

에드가 드가, 「무용 수업」, 1874, 캔버스에 유채, 83.5×77.2 cm — Met 1987.47.1 · 메리 카사트, 「발코니에서」 — AIC 1938.18 · 베르트 모리조, 「화장대 앞의 여인」 — AIC 1924.127, 모두 공개 도메인

짝 맞추기 · 왼쪽 다음 오른쪽

카유보트는 비를 직접 그리지 않고 우산과 젖은 포석의 반사로 보여 줍니다. 소장처는 화면 끝에서 잘린 구도가 새로 퍼진 사진에서 왔을 수 있다고 봅니다. ^S11

「파리의 거리, 비 오는 날 (Paris Street; Rainy Day - 귀스타브 카유보트, 1877)」: 비 젖은 포석 위로 우산을 쓴 사람들이 걷고, 초록 가로등 기둥이 화면을 세로로 가르며, 오른쪽 끝의 남자는 화면에서 잘렸습니다. 모네의 생라자르 역과 같은 1877년 제3회 전시에 나갔습니다. ^S11

귀스타브 카유보트, 「파리의 거리, 비 오는 날」, 1877, 캔버스에 유채, 212.2×276.2 cm — 시카고 미술관 1964.336, 공개 도메인

르누아르의 「두 자매 (Two Sisters, On the Terrace - 피에르오귀스트 르누아르, 1881)」는 한 화면에 두 방식이 있습니다. 소장처는 얼굴은 붓 자국이 보이지 않게 매끈하게 칠했고, 뒤 배경은 짧게 끊은 붓질로 그렸다고 설명합니다. ^S11

「두 자매」: 빨간 모자의 젊은 여인과 꽃 모자의 어린 소녀 뒤로 강과 나무가 짧은 붓질로 풀려 있습니다. ^S11

피에르오귀스트 르누아르, 「두 자매」, 1881, 캔버스에 유채, 100.4×80.9 cm — 시카고 미술관 1933.455, 공개 도메인

소장처 기록에 따르면 이 그림은 1882년 제7회 전시에 나갔는데, 메트로폴리탄 미술관 해설은 르누아르가 1877년 이후 이 그룹과 전시하지 않았다고 적어 두 기록이 엇갈립니다. ^S11

2-5구별 포인트

이 절에서 볼 것

같은 크기의 점으로 찍은 그림은 후기 인상주의로, 매끈한 사실 묘사는 사실주의로 보냅니다.

이웃한 이름들과는 어떻게 가를까요? 붓 자국의 크기와 간격이 고르냐가 첫 기준입니다. ^S1

후기 인상주의와: 붓 자국이 같은 크기의 점으로 고르게 찍혀 있으면(점묘) D35 후기 인상주의로 보냅니다. 1886년 마지막 전시에는 점을 찍어 그린 화가들이 들어왔습니다. ^S1
사실주의와: 카유보트처럼 인상주의 전시에 나갔어도 붓질이 매끈하면 D32 사실주의 쪽 기법이라고 소장처는 설명합니다. ^S11

2-6흔한 오해

이 절에서 볼 것

대충 그린 것도, 모두 야외에서 끝낸 것도, 튜브 물감이 낳은 것도 아닙니다.

1874년 풍자 만화가 샹이 첫 전시를 놀린 그림입니다. 그림 아래 손글씨를 보세요. "그림의 혁명, 공포로 시작하다"라는 뜻의 프랑스어가 적혀 있습니다. ^S14

샹(아메데 드 노에), 첫 인상주의 전시 풍자화, 1874 — 프랑스 국립도서관 소장, 위키미디어 공용, 공개 도메인

세 오해 모두 그림을 직접 보면 풀립니다. 카드 뒤의 근거는 다음과 같습니다.

"대충 그린 미완성": 1874년 르루아 같은 비평가의 조롱에서 나왔습니다. ^S8 같은 해 카스타냐리는 이들이 바꾼 것이 대상이 아니라 어디까지 마무리하느냐의 정도라고 정리했고 ^S9, 메트로폴리탄 미술관은 이 그림들이 공들여 짠 구도를 갖췄다고 설명합니다. ^S1
"야외에서 다 그렸다": 모네 이전의 바르비종 화가들은 야외에서 스케치만 했고, 모네는 큰 캔버스를 야외에서 시작해 작업실에서 마무리했습니다. ^S3 밀짚단도 작업실에서 색의 조화를 다듬었습니다. ^S11
"튜브 물감 때문에 생겼다": 테이트는 튜브가 퍼지며 야외 작업이 더 인기를 얻었다고만 씁니다. ^S7

2-7무엇을 낳았나

이 절에서 볼 것

살롱 밖에서 따로 전시하는 길을 열었고, 뒤이은 화가들이 그 길로 나왔습니다.

이 독립 전시는 무엇을 남겼을까요? 메트로폴리탄 미술관은 인상주의가 뒤이은 새로운 미술의 발판이 되었다고 설명하고, 뒤에 따로 길을 연 화가 세잔과 고갱도 인상주의와 함께 출발했다고 적습니다. ^S1 마지막 전시에는 점을 찍는 화가들이 들어왔고, 그 갈래는 D35 후기 인상주의로 이어집니다. ^S1

정리하면

처음의 두 모습으로 돌아가 봅니다.

'밝은 색과 대담한 붓질'은 맞습니다.

합성 안료와 광택 칠을 하지 않은 표면이 그 밝음을 냈습니다.

^S1 '반항 정신'은 살롱 밖에서 따로 전시한 선택에서 확인됩니다.

^S1 그러나 '대충 그린 그림'은 1874년의 조롱이 남긴 말입니다. ^S8 이 화가들은 기차역과 거리, 교외의 빛을 짧은 붓질과 색 있는 그림자로 옮겼습니다.

그리고 같은 대상을 다른 빛 아래 되풀이해 그렸습니다.

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대표 사례 상세 (앵커)

작품	확인된 서지	보여 주는 시그니처	확인
「밤나무 길 (The Allée of Chestnut Trees - 알프레드 시슬레, 1878)」	캔버스에 유채, 50.2×61 cm — Met 1975.1.211, isPublicDomain: true	D1·D2·D3: 보라 그림자, 끊긴 하늘, 풀린 줄기	레코드 ● / 도판 ●
「노르망디 열차의 도착, 생라자르 역 (Arrival of the Normandy Train, Gare Saint-Lazare - 클로드 모네, 1877)」	캔버스에 유채, 60.3×80.2 cm — AIC 1933.1158, is_public_domain: true	D2·D4·D6: 증기의 끊긴 붓질, 기차역	레코드 ● / 도판 ◎
「파리의 거리, 비 오는 날 (Paris Street; Rainy Day - 귀스타브 카유보트, 1877)」	캔버스에 유채, 212.2×276.2 cm — AIC 1964.336	D5·D6 + 전시 출품(부착 규칙 3): 매끈한 칠, 잘린 인물	레코드 ● / 도판 ◎
「무용 수업 (The Dance Class - 에드가 드가, 1874)」	캔버스에 유채, 83.5×77.2 cm — Met 1987.47.1	D5·D6 + 전시 출품: 또렷한 윤곽	레코드 ● / 도판 ●
밀짚단 3점 · 루앙 대성당 2점(1890~94, 기간 밖)	AIC 1985.1103·1933.444·1922.431 · NGA 1963.10.179·1963.10.49	D1·D2: 연작의 색 그림자	레코드 ● / 도판 ◎
「발코니에서」 · 「화장대 앞의 여인」 · 「두 자매」	AIC 1938.18 · 1924.127 · 1933.455	D2·D3(배경), 전시 출품	레코드 ● / 도판 ◎
「인상, 해돋이 (Impression, soleil levant - 클로드 모네, 1872)」	마르모탕 모네 미술관 — 위키미디어 공용 PD 표시	이름의 출처	레코드 ◐ / 도판 ●
도록 표지 · 나다르 사진관 · 샹 풍자화(1874)	BnF(Gallica·공용), 공개 도메인	독립 전시와 그 반응	레코드 ◐~● / 도판 ●

AIC 도판은 시카고 미술관 이미지 서버가 보안 확인으로 막혀 같은 작품의 위키미디어 공용 사본(공개 도메인 표시)을 썼습니다.

더 읽을거리

Charles S. Moffett 외, The New Painting: Impressionism 1874–1886 (Fine Arts Museums of San Francisco, 1986) — 여덟 번의 전시 ◐
Robert L. Herbert, Impressionism: Art, Leisure, and Parisian Society (Yale, 1988) ◐
Linda Nochlin 편, Impressionism and Post-Impressionism 1874–1904: Sources and Documents (1966) — 당대 비평 원문 ◐
메트로폴리탄 미술관 Heilbrunn Timeline, "Impressionism: Art and Modernity" — 무료 공개 ●

연결

D32 사실주의 · D35 후기 인상주의 · 조건: B3-09 AC 1801~1900 · 유화 · 현상: 색 · 질감 · 경계 · 반복

근거

출처는 frontmatter sources에 있습니다. ● 원문 열람, ◐ 공용 파일 설명·서지만.